歌唱的艺术处理

摘 要:所谓艺术处理实际上就是表演者通过自己对音乐作品的理解,投入热情、智慧、对音乐作品的一种诠释和表达.

关 键 词:歌唱的艺术,内涵,意境

中图分类号:J6

文献标识码:A

文章编号:1672-3198(2010)16-0270-02

歌唱的艺术处理,首先要求表演者必须具有参与意识和创造热情.既不能把音乐表演变成一种毫无生气的机械显影,也不能对音乐作品采取消极冷漠的旁观态度.音乐表演者必须把每一次音乐表演都作为一次创造过程.表演者对音乐作品应有自己的解释,这种解释既要符合原作的基本精神,又能体现出表演者的创造性.即使在同样忠于原作的前提下,不同的表演者对于同一部作品或同一角色也会有不同的艺术处理.这是因为音乐表演者都是处于特定的历史时代和社会环境之中,有自己的生活经历和独特个性,这些都必然自觉或不自觉的体现在歌唱表演中

歌唱表演的创造性特别要求表演者艺术个性的自觉发挥,正是由于独具个性的表演创造,才使得同一部音乐作品在演唱的过程中获得不同的艺术表现,而这正是音乐作为一种表演艺术的魅力之所在.个性是表演创造走向成熟的标志.它表明表演者已经具有清醒的自我意识,不仅对音乐作品有自己独到的理解,并且能够根据自己的条件和特长找到最适合自己的表演方式,形成独特的个人演唱风格.

下面就针对歌唱表演当中个人风格形成的几个艺术环节处理几点看法:

1理解和表达作品内涵

所谓内涵,主要指作品的内在含义即思想感情.理解作品的内涵,是演唱的基础.拿到一首歌曲,不能急于唱谱,而应该将歌词反复朗诵几遍,通过这一过程来了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情.一首歌曲总是凝聚着作曲家的强烈感情,作曲家的深情厚意蕴藏在每一个音符之中,歌唱者需要认真的发掘和领会.对作品的理解越深,感受越深,在演唱时的表达则越纯真,越完美.一个演员或歌唱者文学修养的深浅,会直接影响他对作品内涵的理解.不少学唱歌的人,往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现,因此平时的接触面比较狭窄,不看小说不看画,不读诗文不听音乐,甚至连报纸也不看,视野不开阔,知识不丰富,这样的演唱只是单一的唱旋律而不能真正的演唱作品真实内涵.要知道对作品内涵有无深刻的理解,结果是大不一样的,因为只有在理解作品的基础上,才可能做到真情的表达.

所谓表达,就是演唱者把作品中的感情外化出来.好的歌唱者在演唱中能把歌曲中的喜、怒、哀、乐之“情”充分的表达,达到“一唱歌到融神处,毛骨悚然六月雪”,一曲唱完“余音绕梁,三日不绝”.这说明必须要有较高的思想和艺术修养,多生活,对音乐有深刻的理解,有较深的意识造诣和较高的歌唱技巧,才能将自己心灵的感受用具有丰富色彩和特有风格的美妙声音,去拨动听众的心弦,使人留下深刻的印象.一首再好的歌,它的词曲终究只是写在纸上,是没有生命力的东西,要靠歌唱者的创造力和想象力,对歌曲细致的分析,在体会歌曲内容与情感的基础上,进行加工,自己再用深切的感情,充沛的的咬字、吐字、共鸣、用气,精巧装饰等声音技巧,将歌曲内容深刻的有特色的表达出来,前苏联男低音歌唱家夏里亚宾说,“你知道什么是唱歌吗你脑子里怎么想,心里只能感觉,你再用感情唱出来,这才是唱歌.”那么,“情”从何处来“情”从“心”来,将眼中所见的人、事、物、景转化为心中所想,再转化为口中所唱,歌唱者一定要将自己的全身心,自己的灵魂投入到歌唱之中去,歌声才能打动听众的心.

2想象和融入作品意境

意境的想象,就是要尽量去启发演唱者自身对于音乐的想象力,它应根据歌曲的内容和音乐形象,在自己的头脑中化为一幅活动的画面,融入就是把自己化为作家、诗人、也把自己变成作品的主人公,换句话说,那么你在表达的时候就会很真实和生动.想象和已经会很快帮助你确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公形象来,歌曲的主人公的形象就完整了、统一了,歌曲的主题思想也就明确了,这样就会达到情真意切.这种想象力就是唱歌者解释音乐的能力,它是体现了生活的积累这种积累越多,越丰富,“灵感”也越活跃,越丰富.因此作为歌唱者来说,应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音,去感受生活,从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象力,从而更好的融入到音乐作品中.

3掌握和使用声音的技巧

我们在演唱一首作品时,运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感,这是值得研究和设计的问题.作为歌者有了美好的声音外,能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要.比如面对一首进行曲时要用雄壮的声音,面对一首圆舞曲时应是华丽、轻巧的声音,面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜美的声音等等.这里对声音也要有个想象的过程,如对一首抒情轻柔的曲子时,可以把声音设想成“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”,又如唱一首柔美又轻巧的歌曲时,又可把声音想象为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”.

声与情,即技与艺,一向是歌唱中血肉相连的两个部分.发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体,二者不可分割.歌唱的人声是以人的身体作为整体乐器来歌唱的,是无法离开嗓子、气息和共鸣能够完成的,歌唱是全身心都参与的一个表演艺术,不仅身体要参与,而且包括你的灵魂.歌唱应成为诸种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术,就是说,只有声情并茂,技艺结合,才能使歌唱达到感人的境界,产生沁人肺腑的艺术成果.声与情,相辅相成.

4歌唱中的艺术处理

首先,作品的风格或者说音乐的风格掌握的好与坏,很大程度上影响了演唱的效果.我们常常听到一些音乐会上的演出,有人的声音相当漂亮,发声技巧也很高超,但整台音乐会从声音、力度、韵味上听起来都是一个样子.感觉不到它们之间的差异,让人听了过耳即忘,缺少心灵的共鸣.为使演唱具有强烈的艺术感染力,赶场者在练唱的准备过程中应对歌曲作品进行艺术的处理与加工.造成这些现象的原因主要是歌唱者没有很好的在歌唱前对作品的时代背景、风格特点等进行细致的分析和了解,没有能恰如其分用自己的歌唱技巧来表达作品的风格.因此歌唱者要准确的表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格.与其它姐妹艺术相比,音乐的风格具有更多的抽象性.音乐是无形的时间艺术,而绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术,因而他们的风格往往比音乐更容易一 目了然,但艺术是相通的,对于音乐艺术风格而言,它与其他的艺术形式应该是存在关联的,一个歌唱者综合艺术修养的深浅,会直接影响他对音乐作品的理解和风格的把握.因为风格的形成,主要就是建立在最深刻的认识基础上的,成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和风格特点淋漓尽致地表现出来,能把音乐的全部含义让听众“一耳了然”的.

其次,演唱的二度创作是一项复杂的劳动过程,它对演唱者的要求也是多方面的.好的演唱者不仅能准确地领会和传达歌曲的艺术境界,同时还能通过自己的在创造,挖掘歌曲里的某些潜在的、甚至作曲家没有想到的东西.一首音乐作品,韵味是不会像曲子那样明确提供的,它必须由演唱者自己去体会和创造.好的歌者并不满足曲谱中所记下的音,而必定会在音外的唱腔上下功夫(腔也就是韵味),并在实际的演唱过程中把它们运用得恰到好处.在唱熟了一首新作品后,自身的感觉就能根据语言的特点、感情的需要,就会自然而然的在旋律上加一些音,使之成为装饰音、颤音、滑音等,唱起来就会更加生动和自然,就更有味道和美感,这就是韵味给作品带来的新的生命力.

有了对歌曲的真情实感后,就应当对歌曲处理有一个全面的总体设想,这里包括这个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等问题.当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的,歌曲的结构、曲式、调性旋律的起伏发展,直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示,它们可以指引歌唱者内在的情绪走向,找到全曲的及歌曲的层次.在演唱中特别要把握好艺术的对比性,如一首作品的叙述性和歌唱性的区别一首歌曲中轻重、强弱的变化,其中最关键的是要找到歌曲的高点()和低点.一般来说要突出高点,一定要把低点放低,一定要有铺垫的过程,否则一个劲强或一个劲的弱是达不到意识效果的.处理歌曲时,画龙点睛的部分往往是一些重点句、字.中点的词句要在咬字吐字上予以强调,要一句一字的,甚至在一个经过音上下功夫,反复连唱,认真寻味,找到最适宜的表现手法.也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱攻克难关,直到自己的处理化为真情的体现.

5真正做到忘我的演唱

唱歌要感动听众,首先要使自己处于兴奋而又激动的歌唱状态.要给予歌曲以生命的活力,还要把对歌曲的理解的感觉,有创造性的表达出来.“真真假假”是艺术表现的特定手法.“假”是为了表现“艺术的真”,“假”是为了表现“真”的艺术技巧.真入假出而不失为真,才能发挥出艺术的真实性和表现的真实性的统一,才能发挥艺术感染的强大作用.因此我们在演唱时一定要把握好这两者之间的关系,恰到好处来表现作品.

在平时的演唱过程中,我还会见到一些人在演唱的时候精神高度紧张,满脑子的杂念,这样的歌唱状态是绝对长不好歌的,更不用说感动观众了.因此我们说“忘我的演唱”就是要让歌唱者丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱,消除一切紧张因素,以充满而又放松自如的状态进入演唱,要知道只有情感得到了解放,才能得到自然而舒畅的声音效果,才有更完美的情感表达.歌唱艺术应该是“有声又有乐”.在表现歌曲思想感情和意境时,不论你采用什么表现方式,何种特殊技法,都要以歌曲的实际出发.根据歌曲的内容在头脑中创造的情景,构成形象,这些形象、情景不是平淡的、模糊的、机械的、而应该是鲜明、具体、生动的,有了这样的基础,通过不同的表现手段来表现,唱出的歌声是“有生命”的声音.

总之,只要做好上述的几个艺术处理的环节,我相信能为我们演唱歌曲提供帮助,从而最终实现歌曲在演唱过程中的表情达意.